Искусство раннего Возрождения

1.

Искусство раннего
Возрождения

2.

• В формировании светской культуры раннего
Возрождения огромную роль сыграла античность. Во
Флоренции открывается Платоновская академия,
библиотека Лауренциана содержит богатейшее
собрание античных рукописей.
• Появляются первые художественные музеи,
наполненные статуями, обломками античной
архитектуры, мраморами, монетами, керамикой.
• В эпоху Возрождения выделились основные центры
художественной жизни Италии - Флоренция, Рим,
Венеция.
• Одним из крупнейших центров, родиной нового,
реалистического искусства была Флоренция. В 15-м
веке там жили, учились и работали многие
прославленные мастера эпохи Возрождения.

3.

Архитектура раннего Возрождения
• Жители Флоренции обладали высокой художественной
культурой, они активно учавствовали в создании городских
памятников, обсуждали варианты строительства красивых
зданий. Архитекторы отказались от всего, что напоминало
готику. Под влиянием античности наиболее совершенными
стали считать постройки, увенчанные куполом. Образцом здесь
был римский Пантеон.
• Над красными кирпичными крышами старинных построек
Флоренции поднимается огромное здание городского
собора Санта Мария дель Фьоре, который часто называют
просто Флорентийский собор. Высота его достигает 107 метров.
Великолепный купол, стройность которого подчеркивается
белокаменными ребрами, увенчивает собор. Купол поражает
размерами (его диаметр равен 43 м), он венчает собой всю
панораму города. Собор виден почти с каждой улицы
Флоренции, четко вырисовываясь на фоне неба. Построил это
великолепное сооружение архитектор

4.

Филиппо Брунеллески (1377 - 1446).
Собор Санта Мария дель Фьоре (Флорентийский собор)

5.

6.

7.

8.

Скульптура раннего Возрождения
• В 15-м веке во Флоренции творили два
знаменитых скульптора -Донателло и
Вероккио. Донателло (1386? - 1466) - один
из первых скульпторов Италии, который
использовал опыт античного искусства. Он
создал одно из прекрасных произведений
раннего Возрождения - статую Давида.

9.

Донателло (1386-1466).

10.

• Наряду с Джованни Пизано и Микеланджело
он является величайшим итальянским
скульптором ренессансной поры, чей
шестидесятилетний творческий путь составил
целую эпоху в истории европейской пластики.
Донателло принадлежит к числу самых смелых
реформаторов итальянского искусства.
Пожалуй, ни один другой скульптор его
поколения не соприкоснулся так тесно с
духовным миром флорентийского
«гражданского гуманизма», не воспринял
столь глубоко его новых художественных идей.

11.

• Новаторская универсальность этого гения поразительна.
Донателло свойственны огромная творческая смелость и
неустанные поиски нового, постоянно побуждающие его
выходить за пределы уже найденных решений, ему равно
доступны трагический пафос и бурная радость, возвышенная
красота и беспощадная верность натуре.
• Альберти считал, что Донателло не уступал в гениальности
знаменитейшим античным художникам, по примеру древних
создавал свободно стоящие статуи, обозримые со всех сторон,
гармонично сочетающиеся с архитектурой. Донателло наделил
скульптурные образы яркой индивидуальностью, глубокой
человечностью, так что его святые и герои кажутся вполне
реальными личностями. Он создал первую в постантичном
искусстве обнаженную статую - бронзового Давида, и первый
конный монумент – скульптуру кондотьера Гаттамелаты. Он
первый добился в рельефе впечатления пространства,
применяя законы перспективы.

12.

Давид

13.

• Согласно библейской легенде, простой пастух, юноша Давид
победил великана Голиафа, и тем самым спас жителей Иудеи от
порабощения и стал потом царем. Давид был одним из
излюбленных образов эпохи Возрождения. Он изображен
скульптором не как смиренный святой из библии, а как юный
герой, победитель, защитник родного города. В своей
скульптуре Донателло воспевает человека как идеал
прекрасной героической личности, возникший в эпоху
Возрождения. Давид увенчан лавровым венком победителя.
Донателло не побоялся ввести такую деталь, как пастушеская
шляпа - знак его простого происхождения.
• В средние века церковь запрещала изображать обнаженное
тело, считая его сосудом зла. Донателло был первым мастером,
отважно нарушившим этот запрет. Он утверждает этим, что
человеческое тело прекрасно. Статуя Давида - первая в ту эпоху
круглая скульптура.

14.

• После одержанной победы, молодой пастух стоит, чуть
наклонив голову, его взгляд устремлен на поверженного врага,
лицо юноши скрыто тенью от полей пастушеской шляпы,
поэтому взгляд его уловить трудно. В руках он держит меч,
которым только что убил Голиафа.
• Подобно греческим богам и героям, Давид представлен
обнаженным и острое лезвие меча подчеркивает мягкую
нежность тела подростка. Донателло максимально использует
все возможности бронзы: плавную текучесть формы и остроту
граней. Образ Давида полон внутренней ясности и гармонии, в
нем соединяются лучшие черты личности, сохраняющие
актуальность во все времена: благородство, величие души.
Джорджо Вазари пишет о Давиде: «Фигура эта настолько
естественна в своей оживленности и мягкости, что художники
не хотят верить, что она не отлита с натуры».

15.

Статуя полководца Гаттамелата"Эразмо де Нарни"

16.

17.

• Известна и другая прекрасная скульптура Донателло статуя воина, полководца Гаттамелата. Это был
первый конный памятник эпохи Возрождения.
Созданный 500 лет назад, этот памятник до сих пор
стоит на высоком постаменте, украшая собой площадь в
городе Падуя.
• Впервые в скульптуре был увековечен не бог, не святой,
не знатный и богатый человек, а благородный, храбрый
и грозный воин с великой душой, заслуживший славу
великими делами. Одетый в античные доспехи, сидит
Гаттемелата (это его прозвище, означающее "пятнистая
кошка") на могучем коне в спокойной, величавой позе.
Черты лица воина подчеркивают решительный,
твердый характер.

18.

• В 1453 году перед собором Сант-Антонио был установлен
конный монумент в честь кондотьера Эразмо ди Нарни,
прозванного Гаттамелата (пятнистая кошка). Он был сыном
булочника и одним из прославленных полководцев этого
времени. Находясь на службе у Венецианской республики,
Гаттамелата не потерпел ни одного поражения.
• Задача автора — прославить непобедимого героя, который не
знает «какого цвета страх». Гаттамелата после выигранной
битвы совершает торжественный смотр войскам. Могучий конь
покорен воле всадника, весь облик которого говорит о
привычке к победам и торжествам. За внешним спокойствием
угадывается колоссальная активность. Это типичный
представитель эпохи Возрождения, когда общественное
положение человека определяли «его способности и плюс
немного везения».

19.

Мария Магдалина

20.

• Мария Магдалина — изможденная постами и
молитвами старуха, в страшных лохмотьях,
безобразные морщины избороздили лицо, не
сохранившее следов былой красоты.
• Ее покорная поза — символ внутренней
сломленности.
• Статуя вырезана из дерева, мастер
отполировывает обнаженные плечи и руки,
оставляет шероховатыми одежду и спутанные
волосы. Этот контраст придает образу еще
более трагическое звучание.

21.

Иоанн Евангелист

22.

Юдифь и Олоферн

23.

• Героический пафос отличает его скульптурную
группу «Юдифь и Олоферн». Грозная
воительница в роскошном платье, строгие
складки которого придают торжественное
величие ее фигуре, подняла меч над головой,
у ног безвольное тело Олоферна, еще секунда
— и меч нанесет последний удар.
• Подобная композиция трудна для исполнения.
Было много сложностей с отливкой в бронзе, в
которой мастер принимал участие. Вазари
пишет: «Вещь эта исполнена с великим
совершенством...»

24.

Мадонна с младенцем и святыми
Франциском и Антонием

25.

Андреа Вероккио (1436 -1488)
Конный монумент кондотьеру Коллеони

26.

Андреа дель Веррооккьо (1435- 1488)
• Скульптор и живописец
эпохи Возрождения,
представитель Флорентийской школы.
Среди его учеников — Сандро
Боттичелли, Пьетро Перуджино, Леонардо
да Винчи.

27.

Голова женщины, эскиз для нимфы Венеры.
1475, Британский музей

28.

Крещение Христа. Ок. 1475, Галерея Уффици,
Флоренция

29.

Мадонна с младенцем. 1470, мастерская
Верроккьо. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

30.

Бюст Джулиано Медичи. 1475—1478, Национальная галерея,
Вашингтон

31.

Конная статуя Бартоломео Коллеони. 1479—
1496, Площадь Сан-Джованни-э-Паоло, Венеция

32.

• Самый известный ученик Донателло, создавший
знаменитый конный монумент кондотьеру Коллеони,
который был поставлен в Венеции на площади у церкви
Сан Джованни.
• Главное, что поражает в памятнике - совместное
энергичное движение коня и всадника. Конь как бы
устремляется за пределы мраморного постамента, на
котором установлен памятник. Коллеони, привстав на
стременах, вытянувшись, высоко подняв голову,
всматривается в даль. На лице застыла гримаса гнева и
напряжения. В его позе чувствуется огромная воля,
лицо напоминает хищную птицу. Образ наполнен
несокрушимой силой, энергией, суровой властностью.

33.

Живопись раннего Возрождения
• Эпоха Возрождения обновила и искусство живописи.
Живописцы научились верно передавать пространство,
свет и тень, естественные позы, разнообразные
человеческие чувства. Именно раннее Возрождение
было временем накопления этих знаний и навыков.
Картины той поры проникнуты светлым и приподнятым
настроением. Задний план часто написан в светлых
тонах, а строения и природные мотивы очерчены
резкими линиями, преобладают чистые цвета. С
наивным старанием изображены все подробности
события, персонажи чаще всего выстроены в ряд и
отделены от фона четкими контурами.
• Живопись раннего Возрождения только стремилась к
совершенству, однако, благодаря своей искренности,
она трогает душу зрителя.

34.

• Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи
Гвиди, Известный под именем Мазаччо (1401
- 1428)
• Его считают последователем Джотто и первым
мастером живописи раннего Возрождения.
Мазаччо прожил всего 28 лет, но за свою
такую короткую жизнь оставил в искусстве
след, который трудно переоценить. Он сумел
довершить в живописи революционные
преобразования, начатые Джотто. Его
живопись отличает темный и глубокий
колорит. Люди на фресках Мазаччо гораздо
более плотные и мощные, чем на картинах
готической поры.

35.

Фреска Мазаччо

36.

• Мазаччо первым стал правильно
располагать предметы в пространстве, с
учетом переспективы; людей он стал
изображать по законам анатомии.
• Он умел связывать в единое действие
фигуры и пейзаж, драматически и вместе с
тем вполне естественно передавать жизнь
природы и людей - и в этом огромная
заслуга живописца.

37.

Изгнание Адама и Евы из рая. 1427-1428

38.

Распятие

39.

Эта известная фреска Мазаччо прославилась, благодаря новаторству в
изображении элементов архитектуры и абсолютно новому видению
перспективы.
Мы видим Голгофу и распятого Христа. Его поддерживает Бог-отец. В ногах
изображен саркофаг, в котором находится скелет первого человека на земле
Адама.
С двух сторон стоят Святой Иоанн и Дева Мария. Немного ниже – донатор в
красном плаще и его жена. Известно даже, как звали этого донатора.
Предположительно это Лоренцо Ленци. Все работы Мазаччо невероятно
рельефны. Именно он заложил основы эпохи Возрождения. Писать картины
нужно так, как мы видим на самом деле. В то время такая идея была
действительно революционной.
Живописец изображает свод определенным образом. Он демонстрирует нам
линейную перспективу. В те времена живописцы очень любили такой прием.
Композиция построена так, чтобы все траектории соединились обязательно в
одной главной точке. Создается впечатление, что мы видим все
изображенное на плоской линии. По мере удаления все персонажи и
предметы уменьшаются. Художник любил архитектуру в ее классическом
виде. Именно поэтому на полотне так мастерски прорисованы колонны. Об
этой же страсти говорит и свод, прописанный до мельчайших подробностей.

40.

• Силуэты смоделированы рельефно. Это необходимо
для того, чтобы создать ощущение реальности всего
происходящего. Мы практически ощущаем свое
присутствие в пространстве этой грандиозной фрески.
До этого в живописи ничего похожего попросту не было.
• Живописец передает динамичность и драматизм всего
происходящего с помощью жестов и особой мимики
каждого персонажа. Именно благодаря этому, он сумел
достичь такого сильного воздействия своих картин на
зрителей. Максимально простые приемы позволяют
создать реальное впечатление того, что формы в
пространстве максимально пластичны.

41.

Поклонение волхвов

42.

Мадонна с Младенцем и четырьмя
ангелами

43.

• Это одно из немногих станковых станковых произведений
Мазаччо, заказанное ему в 1426 году для капеллы в церкви
Санта-Мария дель Кармине в Пизе.
• Мадонна сидит на троне, построенном строго по законам
перспективы Джотто. Ее фигура написана уверенными и
четкими мазками, что создает впечатление скульптурной
объемности. Ее лицо спокойно и печально, отрешенный взгляд
направлен в никуда. Закутанная в темно-синий плащ, Дева
Мария держит на руках Младенца, золотистая фигурка которого
резко выделяется на темном фоне. Глубокие складки плаща
позволяют художнику играть со светотенью, что тоже создает
особенный зрительный эффект. Младенец ест черный виноград
- символ причастия. Безупречно нарисованные ангелы
(художник прекрасно знал анатомию человека), окружающие
Мадонну, придают картине дополнительное эмоциональное
звучание.

44.

Святые Иероним и Иоанн Креститель

45.

• Единственная створка, написанная Мазаччо для
двухстороннего триптиха. После ранней смерти
живописца остальная часть работы, выполнявшейся по
заказу папы Мартина V для церкви Санта-Мария в Риме,
была довершена художником Мазолино. Здесь
изображены две строгие, монументально выполненные
фигуры святых, одетых во все красное. Иероним держит
раскрытую книгу и макет базилики, у его ног лежит лев.
Иоанн Креститель изображен в своем обычном виде: он
бос и держит в руказ крест. Обе фигуры поражают
анатомической точостью изображения и почти
скульптурным ощущением объема.
• Интерес к человеку, преклонение перед его красотой
были в эпоху Возрождения так велики, что это привело
к возникновению нового жанра в живописи - жанра
портрета.

46.

Пинтуриккио (1454 - 1513)
• Уроженец Перуджи в Италии. Какое-то время
писал миниатюры, помогал Пьетро Перуджино
украшать фресками Сикстинскую капеллу в
Риме. Приобрел опыт в сложнейшем виде
декоративно-монументальной стенной
росписи. Уже через несколько лет
Пинтуриккьо стал самостоятельным
художником-монументалистом. Работал над
фресками в аппартаментах Борджиа в
Ватикане. Делал стенные росписи в
библиотеке собора в Сиене.

47.

Портрет мальчика (1480)

48.

• Художник не только передает портретное сходство, но
стремится раскрыть внутреннее состояние человека. Перед
нами мальчик-подросток, одетый в строгое платье горожанина
розового цвета, на голове маленькая синяя шапочка.
Каштановые волосы спускаются до плеч, обрамляя нежное
лицо, внимательный взгляд карих глаз задумчив, чуть
тревожен. За спиной у мальчика - умбрийский пейзаж с
тоненькими деревцами, серебристой рекой, небом,
розовеющим на горизонте. Весенняя нежность природы, как
отзвук характера героя, гармонирует с поэтичностью и
очарованием героя.
• Изображение мальчика дано на первом плане, крупно и
занимает почти всю плоскость картины, а пейзаж написан на
заднем плане и очень мелко. Это создает впечатление
значительности человека, его господства над окружающей
природой, утверждает то, что человек - это прекраснейшее
творение на земле.

49.

• «Портрет Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца» —
знаменитый парный профильный портрет работы Пьеро делла
Франческа, изображающий урбинского герцога и его жену.
• Идеально-типизирующее сочетается здесь с жизненностью и
конкретностью, жанр придворного портрета получает
яркую гуманистическую интерпретацию.
• Эти профили модели на фоне ландшафта — стали символом
новой эпохи.
• «Открытие мира и человека» тут выступает через
призму ренессансного идеала индивидуальной личности.
• Объединив изображения супругов в диптих, художник следовал
старому обычаю нидерландских портретистов, наверняка
знакомых итальянским. Пейзажный фон ранее использовали
нидерландцы, а вслед за ними Филиппо Липпи, но у них он
оставался всего лишь деталью композиции, видом через окно.

50.

51.

• В этом диптихе пейзажный фон весьма важен.
• Человек господствует над природой,
портретные образы полностью освобождены
от религиозного духа, который присутствует во
всех донаторских портретах, эта картина —
настоящий продукт
светской гуманистической культуры.
• Портретные профили безраздельно
господствуют над пейзажным пространством.
Головы возвышаются над линией горизонта, и
такое сочетание вроде бы противоречит всей
природе профильного портрета, который
всегда тяготел к плоскости.

52.

• Этому во многом способствует новая техника масляной
живописи, воспринятая из Нидерландов. Пьеро заменяет
декоративный цветной фон пейзажным и таким образом
завоевывает «третье измерение», не прибегая к каким-то
композиционным ухищрениям. Помещенные в воздушную
среду портретные профили из плоского барельефа становятся
иллюзорно-округлыми и уподобляются живым. Светотень
позволяет моделировать объем. Пейзаж полон
подробностей — дорога среди полей, стены и башни города,
паруса на озере, далекая гряда пологих холмов. Это местность,
видная из окон урбинского дворца.
• Очертания профилей согласованы с пейзажными фонами и
ритмически и колористически — каждая линия головы получает
свой ритмический «отклик» в очертаниях ландшафта, а цвета
фигуры — в красках пейзажа.

53.

Филиппо Липпи (1406 - 1469)
Мадонна с младенцем и двумя ангелами (Ф.Липпи)

54.

• О жизни Липпи складывались легенды. Он сам был
монахом, но ушел из монастыря, стал бродячим
художником, похитил из монастыря монашенку и
умер,отравленный родственниками молодой
женщины, в которую влюбился уже в преклонном
возрасте.
• Писал образы мадонны с младенцем, наполненные
живым человеческим чувством и переживаниями. В
своих картинах он изображал много подробностей:
предметы быта, окружающую обстановку, поэтому
его религиозные сюжеты были похожи на светские
картины.

55.

Благовещение (1443)

56.

Коронование Марии(1441-1447)

57.

Доменико Гирландайо (1449 - 1494)
• Писал не только религиозные сюжеты, но и сцены
из жизни флорентийской знати, их богатство и
роскошь, портреты знатных людей.
• Перед нами жена богатого флорентийца, друга
художника. В этой, не очень красивой, роскошно
одетой молодой женщине художник выразил
спокойствие, минуту неподвижности и тишины.
Выражение лица женщины холодное, ко всему
безучастное, кажется, она предвидит свою близкую
кончину: вскоре после написания портрета она
умрет. Женщина изображена в профиль, что
характерно для многих портретов того времени.

58.

Портрет Джованны Торнабуони (1488)

59.

Пьеро делла Франческа (1415/1416 1492)
• Одно из самых значимых имен в
итальянской живописи 15-го века.
Завершил многочисленные
преобразования в приемах построения
перспективы живописного пространства.

60.

Крещение (1458-1460)

61.

• Картина написана на тополиной доске яичной темперой
- очевидно, к этому времени художник еще не овладел
секретами масляной живописи, в технике которой будут
написаны его более поздние работы.
• Художник запечатлел явление тайны Святой Троицы в
момент Крещения Христа. Белый голубь,
распростерший крылья над головой Христа,
символизирует сошествие на Спасителя Святого Духа.
Фигуры Христа, Иоанна Крестителя и стоящих рядом с
ними ангелов написаны в сдержанной цветовой гамме.
Его фрески торжественны, возвышенны и величавы.
Франческа верил в высокое предназначение человека и
в его произведениях люди всегда совершают
прекрасные дела. Он использовал тонкие, нежные
переходы красок. Франческа первым начал писать на
пленэре (на воздухе).

62.

63.

Джованни Беллини (1427/1430 - 1516)
Портрет дожа Леонардо Лоредана.

64.

• Этот портрет был заказан Беллини как художнику
Венецианской республики. Дож здесь изображен
почти фронтально - вопреки существующей тогда
традиции изображать лица в профиль, в том числе
и на медалях, и на монетах.
• Четкие светотени прекрасно рисуют высокие скулы,
нос и упрямый подбородок умного и волевого лица
пожилого человека. На ярком сине-зеленом фоне
контрастно выделяется белая с золотом и серебром
парчовая мантия. Ее дож надевал в праздник
Сретения - день, когда обручался с морем,
принимая на год власть над Венецией. Работа
маслом помогла художнику наполнить воздухом
пространство картины и тем самым сделать образ
дожа удивительно живым.

65.

Портрет султана Мехмеда II. 1480

66.

Портрет кондотьера. 1475–1480

67.

Процессия на площади Сан-Марко. 1496

68.

Мадонна с Младенцем. Ок. 1480

69.

70.

Мадонна на лугу

71.

Пьета

72.

• Вообще «Оплакивание» – это один из излюбленных сюжетов и
восточнохристианского, и западнохристианского искусства,
потому что «Пьета», «Не рыдай мене, мати» – это, очень
важный образ, раскрывающий взаимоотношения Марии,
Богородицы, и ее божественного сына. Но для художников
Кватроченто было очень важно почувствовать в этом
человечность Христа.
• И Джованни Беллини тоже это показывает – вот эту
человечность Христа. Поэтому он один из первых, кто при
оплакивании, вообще при погребении Христа показывает
Богородицу постаревшей. Этого тоже почти нет у предыдущих
художников – Богородица всегда юная, она всегда прекрасна.
Ну, как на иконах. На иконах она как бы вне возраста, это
божественная юность, на ней уже лежит печать
божественности. Но здесь, мы видим, обнимает взрослого
мертвого сына не юная Богородица, а постаревшая,
постаревшая и от возраста, и от горя, некрасивая, потому что
смерть и страдания ужасны, некрасивы и т.д.

73.

Преображение

74.

Экстаз святого Франциска. 1475–1480

75.

Триптих Фрари. 1488

76.

Алтарь Сан-Джоббе. 1478–1488

77.

Священная аллегория. 1490–1500

78.

• Характерны для Джованни Беллини картины-загадки. Вот есть
такая картина – «Священная аллегория». Здесь тоже как бы
идея «Святого собеседования», но такое впечатление, что все
персонажи находятся каждый в каком-то своем отдельном
пространстве. Да, здесь тоже сидит Мадонна, перед ней кто-то
стоит, кто-то отошел, много персонажей: тут и святой Себастьян,
и Иов стоит – но они как-то все рассредоточены. И какой-то
странный пейзаж, тоже такой полумистический – то ли это сон,
то ли это рай так представлен, то ли это некая священная
аллегория, т.е. каждый из персонажей что-то значит и нужно
это как-то расшифровать.
• Такие картины-загадки, конечно, любили в это время, и часто
зашифровывали целые послания, целые тексты в эти картины.
Для Джованни Беллини, может быть, прорваться к каким-то
небесным тайнам и увидеть какие-то и аллегории, и символы, и
вот эту тайну богочеловеческую в младенце, в мертвом Христе
открыть и т.д.

79.

• Са́ндро Боттиче́лли (настоящее
имя Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни
Филипе́пи ( 1445 — 1510) —представитель
флорентийской школы живописи.
• Боттичелли родился в семье кожевника
Мариано ди Джованни Филипепи и его
жены Смеральды в квартале Санта-Мария
Новелла во Флоренции. Прозвище
«Боттичелли» (бочонок) перешло к нему от
старшего брата Джованни, который был
толстяком.

80.

«Мадонна Евхаристии»

81.

Портрет молодой женщины

82.

«Поклонение волхвов» (около 1475)

83.

«Призвание Моисея»

84.

• Самое известное и самое загадочное произведение
Боттичелли — «Весна» (Primavera) (1482). На
создание полотна живописца вдохновил, в
частности, фрагмент из поэмы Лукреция «О
природе вещей»:
• Вот и Весна, и Венера идёт, и Венеры крылатый
Вестник грядёт впереди, и, Зефиру вослед, перед
ними
Шествует Флора-мать и, цветы на путь
рассыпая,
Красками всё наполняет и запахом сладким…
Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим
приближеньем
Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный
Стелет цветочный ковёр, улыбаются волны
морские,
И небосвода лазурь сияет разлившимся светом.

85.

«Весна»

86.

В картине «Весна» три неразрывных друг от друга направления нашли свое
место. Это те направления, в стиле которых развивались наука, философия и
искусство. Куртуазный, помпезный стиль, часто в таком стиле на то время
изображались возлюбленные.
Античный стиль на картине представляют мотивы из мифов Древней Греции,
а также и их персонажи. Христианский стиль представлен образом Мадонны,
которая своей рукой будто бы благословляет всех.
Справа западный ветер – Зефир, который похищает греческую нимфу
Хлориду, повелительницу полей и цветов. В левой части вы найдете три
грации, которые своим присутствием олицетворяют целомудрие,
наслаждение и любовь в единстве. Меркурий, погружает зрителя в
воспоминания из мифов о Парисе, который отдал яблоко богине. У греков
этой богиней была Афродита, а у римлян – Венера. На картине она нежно
ступает по травам и цветам. а над головой богини расположился маленький
амур, который целится в одну из граций.
Мадонна изображена неспроста. Ведь ее, как и других богинь, низвели к лику
святых и для христиан она – богиня. Для художника она является образом
идеальной женщины и "прекрасной дамы", изображение которой
вдохновляет как художников, так и поэтов.
В картине художник дает понять, что разные эпохи искусства существенно же
не отличаются друг от друга, они просто постепенно преобразуются в новые
образы и героев мифов и легенд. Не обращая внимания на то, что в картине
смешались христианство и языческая вера, художник упорно отстаивает
право на существование различных направлений и взглядов.

87.

• Удивительный колорит произведения Сандро
Боттичелли «Весна» словно соткан из благоухающих
цветов, которыми щедро осыпает землю ее
героиня. На темном фоне апельсиновых деревьев
светлые фигуры персонажей в нежных струящихся
одеждах выглядят особенно притягательно, их лица
и внешний облик, несмотря на божественную
принадлежность, очень земные, трогательные.
Картина Ботичелли «Весна» по-прежнему остается
одним из самых удивительных произведений
живописи не только эпохи Возрождения, но и всех
последующих времен.

88.

• Венера изображена в самом центре картины в
апельсиновой роще (именно это дерево было
символом семьи Медичи). Но это не
блистательная и роковая богиня, а скромная
замужняя женщина (что можно понять по ее
фате). Ее правая рука занесена в
благословляющем жесте. Когда Боттичелли
передавал свое творение Лоренцо, то он
акцентировал внимание именно на фигуре
Венеры. Если тому удастся сочетаться браком
со столь благородной богиней, то жизнь его
будет сладострастной и счастливой.

89.

90.

• Три Грации олицетворяют женские
добродетели: Целомудрие, Красоту и
Наслаждение. Жемчужины на их головах
символизируют чистоту. Грации вроде бы и в
одном хороводе, но движения их разобщены.
Целомудрие и Красота изображены спереди, а
Наслаждение - спиной, и ее внимание
приковано к Меркурию.

91.

92.

• Меркурий в мифологии олицетворял разум
и красноречие. В Древнем Риме ему был
посвящен месяц май, названный в честь
матери божества нимфы Майи. К тому же
свадьба Лоренцо ди Пьерфранческо была
назначена именно на этот месяц.

93.

94.

• Для того, чтобы изобразить Весну, Боттичелли
представил целый три фигуры. Эта была
отсылка к мифу о том, как весенний ветер
Зефир влюбился в нимфу Хлорис и тем самым
превратил ее в богиню цветения Весну. Изо
рта Хлорис слетает барвинок (символ
верности), который становится продолжением
следующей фигуры. Так художник показал
превращение нимфы в богиню. Кроме этого,
эта композиция стала символом первого
весеннего месяца.

95.

96.

Весна (Флора) предстала на картине в образе
юной девы в наряде, украшенном цветами.
Неспешно выступая, она разбрасывает розы
(так это делали на свадьбах). Цветы на платье
так же выбраны не случайно. Васильки – это
символ приветливости, лютики – богатство,
ромашка – верность, а земляника – нежность.

97.

98.

Над головой Венеры изображен ее сын Амур, который целится в
одну из Граций. Глаза его завязаны - любовь слепа. По одной из
версий, Сандро Боттичелли в образе Амура изобразил себя.

99.

«Рождение Венеры»

100.

• Также около 1485 года Боттичелли создаёт прославленное
полотно «Рождение Венеры». «…Что отличает творчество
Сандро Боттичелли от манеры его современников — мастеров
кватроченто, да, впрочем, и живописцев всех времён и
народов? Это особая певучесть линии в каждой из его картин,
необычайное чувство ритма, выраженное в тончайших нюансах
и в прекрасной гармонии его „Весны“ и „Рождения Венеры“.
• Колорит Боттичелли музыкален, в нём всегда ясен лейтмотив
произведения. Мало у кого в мировой живописи так звучит
пластика линии, движения и взволнованного, глубоко
лирического, далекого от мифологического или иных схем
сюжета. Художник сам режиссёр и композитор своих творений.
Он не пользуется ходульными канонами, потому его картины
так волнуют современного зрителя своей поэзией и
первичностью мировидения».

101.

• Перед зрителями предстает открытое пространство, море и небо,
художник изобразил раннее утро, когда уже рассеялась мгла ночи и
мир увидел прекрасную Венеру, которая только что родилась из
морской пены. Эта богиня Красоты стоит на морской раковине, а
подгоняет ее по волнам бог ветров Зефир и Хлорида и помогает ей
подплыть к берегу.
• Появление этой богини на земле триумфально – к ее ногам летят
розы, а богиня Ора преподносит юной богине Красоты драгоценный
плащ, чтобы укрыть ее. А плащ украшен вышитыми нежными
цветами.
• Образ героини представлен живописцем с идеально красивыми
чертами, в которых поражает безупречность и гармония. Лицо богини,
будто овеяно тенью печали, кротости, на ее плечи спадают длинные
пряди прекрасных золотистых волос, которые развивает ветер.
• В картине присутствует ясная и четкая композиция. Поза, в которой
предстает перед нами богиня напоминает позу античной статуи
Венеры Пудика (от латинского – «целомудренная, скромная,
стыдливая»), которую мы также знаем под названием статуя Венеры
Медичи.

102.

Символы картины
• Раковина, в которой стоит Венера, именно той формы, что
олицетворяет женское лоно.
• Ветра, расположенные в левой части картины (некоторые еще
принимают их за ангелов), в виде фигур мужчины и женщины
символизируют единство плотской и духовной любви.
• Ора Талло (по другой версии - одна из Граций) "отвечала" за весну, а
именно в это время года происходит рождение богини.
• Розы - признанный символ любви.
• Васильки на одеянии Грации - олицетворение плодородия.
• Плющ и мирт вокруг ее шеи символизируют привязанность и
плодовитость соответственно.
• Анемоны у ног Грации - цветы богини Венеры, согласно мифам,
появившиеся из слез, которые она пролила, горюя после гибели
своего возлюбленного Адониса.
• Камыш - символ скромности.
• Апельсиновое дерево в правом верхнем углу - знак вечной жизни.
• И наконец, красная королевская мантия - божественная власть,
которую дарует красота.

103.

В начале 1480-х годов Боттичелли создал «Мадонну Магнификат» (1481—1485),
картину, прославленную уже при жизни художника, о чём свидетельствуют
многочисленные копии. Она является одним из тондо Боттичелли. Подобные
картины в форме круга были очень популярны во Флоренции XV века. Фоном
картины является пейзаж

104.

«Мистическое Рождество»

105.

«Паллада и Кентавр»(1482—1483)

106.

«Портрет Джулиано Медичи» (1478—1482)

107.

«Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи»
(1474—1475)

108.

«Благовещение» (1489)

109.

«Оплакивание Христа» (около 1490)

110.

Покинутая

111.

Очень старая картина итальянского художника Сандро Боттичели «Покинутая» является
плодом последних дней его творчества. Радость, изложенная в работе «Весна», которая
олицетворяла все возможные положительные эмоции человека.
Скорбь, которую отобразил Сандро в «Покинутой». Можно только догадываться, какой
сложный путь прошел автор за этот промежуток времени. Если первая картина является
настоящим образцом жизнерадостности, то последняя олицетворяет безысходность и
уныние.
Фатальность – только это слово приходит на ум, когда наблюдаешь поникшую головой
девушку, сидящую на ступенях возле больших ворот. Кто знает, что привело ее туда. Может
быть, это город пораженный чумой, который в спешке покинули люди. А может изгнание
юной девы за стены города. Неизвестно.
Что она делала, перед тем как присесть на ступени. Может она кричала, истерично билась о
ворота. А может быть, молча, подошла и просто села, упершись лицом в колени. Возле нее
разбросаны чьи-то вещи. Являются ли они недавними следами борьбы, или же это вещи,
забытые горожанами. А может они принадлежат ей? Злые стражники города вышвырнули их
за ворота, после того как проделали это с самой несчастной.
Остаются только одни догадки. Не осталось никаких записок, говорящих о том, что именно
имел в виду художник.
На фоне одноцветных стен и ступенек выделяются лишь локоны девушки. Ее жгучие черные
волосы не развиваются, а покорно лежат на плечах, как бы отображая состояние своей
хозяйки. Кожа, одеяния – все это совпадает с фоном картины.
Первым элементом, бросающимся в глаза, являются только локоны, после которых внимание
падает на руки, закрывающие плачущее лицо. И только потом заметен краешек неба,
который выглядывает из-за ворот, будто показывая безмятежную, счастливую жизнь там за
стенами. Ту, которой она лишилась.