Фигуративное искусство Авангарда

1.

Кемеровский государственный институт культуры
кафедра фотовидеотворчества
«ФИГУРАТИВНОЕ
ИСКУССТВО АВАНГАРДА»
Творческие поиски К. Петрова-Водкина, М. Шагала, П. Филонова
Самарина Юлия
ФВТ-211

2.

ПЕТРОВ-ВОДКИН КУЗЬМА
СЕРГЕЕВИЧ
Заслуженный деятель искусств России Кузьма
Сергеевич Петров-Водкин (1878—1939 гг.) родился в г.
Хвалынске Саратовской губернии в семье сапожника.
В семье и в своём городе пользовался любовью
окружающих. Начальные художественные навыки
получил у местных иконописцев.

3.

Одной из его ранних работ является мозаичное панно с образом
Богоматери с Младенцем на стене церковной апсиды
Ортопедического института доктора Вредена в Александровском
парке на Петроградской стороне.Петров-Водкин. Майоликовое
мозаичное панно с изображением Иверской Божией Матери на стене
церкви лечебницы Вредена. С-Петербург. Изготовлена в 1906 г. в
Лондоне фирмой Дультона
Его первая персональная выставка состоялась в 1910 г. и вызвала
бурные споры среди критиков; особенно много разговоров было
вокруг картины «Сон», повторявшей сюжет полотна Рафаэля «Сон
рыцаря» и близкой к традициям французского символизма.

4.

К. Петров-Водкин «Сон» (1910). Государственный
Русский музей (Петербург)
Картина внешне сохраняет форму аллегории. Все
фигуры словно оцепенели: юноша лежит в неудобной
позе на голых камнях, а девушки неподвижно стоят
рядом и в упор смотрят на спящего. Вокруг голый
пейзаж, а вдали дымящийся вулкан как бы предвещает
надвигающуюся катастрофу.

5.

ШЕДЕВРОМ СЧИТАЕТСЯ НАПИСАННАЯ В 1912 Г.
КАРТИНА «КУПАНИЕ КРАСНОГО КОНЯ».
Работа над ней проходила в деревне на берегу реки Иловли,
притока Дона. Но сцену купания лошадей художник видел
ещё в детстве, и вот сейчас этот бытовой мотив он превратил
в символ. Это метафора, выражающая романтическую мечту
о красоте и гармонии человека и окружающего мира.
На первом плане изображён юноша верхом на красном коне,
и этот образ во многом сходен с традициями древнерусской
иконописи с её ясностью цвета. Зелёные и синие тона реки
контрастируют с пламенеющим красным цветом коня,
занимающим почти половину полотна. Пространство
передано условно. Эта картина своей монументальностью
приближается к фреске.
Картина была показана в 1912 г. на выставке «Мира
искусства», впоследствии она стала самым знаменитым
произведением Петрова-Водкина.

6.

ОБРАЗ ЖЕНЩИНЫ-МАТЕРИ
К. Петров-Водкин «Мать и дитя» (1927)
Петрова-Водкина образ матери имел особое значение
непреходящая ценность вечно возобновляющейся жизни.
О святости материнства говорит и его картина
«Петроградская мадонна».
К. Петров-Водкин «Мать» (1915).

7.

В жанре натюрморта художник работал всю жизнь, но особенно актуальным натюрморт
стал для него в 1918-1920 гг.
К. Петров-Водкин «Утренний
натюрморт» (1918).
К. Петров-Водкин. Натюрморт с розами (1922)
Если мы сравним натюрморты Петрова-Водкина с
картинами законодателей этого жанра – голландцев, то для
нас станет очевидным, что его натюрморты несут приметы
суровой эпохи, в которую они созданы: нет того изобилия
дичи и снеди, которое мы видим в натюрмортах голландцев.
Вот – скудный паёк голодного времени России 1918 г.

8.

К. Петров-Водкин. Натюрморт с
самоваром (1920)
К. Петров-Водкин «Селёдка» (1918).
Государственный Русский музей (Петербург)
Художник часто вводит в свои натюрморты
зеркала или просто блестящие предметы,
чтобы показать игру света на предметах,
выделить сам предмет во всех его аспектах.
Предметы он обычно рассматривает сверху.

9.

К. Петров-Водкин. Портрет Анны Ахматовой (1922).
Государственный Русский музей (Петербург)
Многие художники создавали портреты Анны
Ахматовой, уже Н. Альтман написал свой
известный портрет поэтессы, но Петров-Водкин
сумел увидеть в Ахматовой «своё»: личность,
человека многогранного таланта и внутренней
широты.
Портреты кисти Петрова-Водкина имели
характерную особенность: персонажи
изображались крупным планом, они как бы
приближены к зрителю. Он пристально
вглядывается в изображаемого, что позволяет ему
проникнуть в душу своего героя. Портрет
Ахматовой прост и убедителен, лишён внешних
эффектов.

10.

К. Петров-Водкин. Портрет Татули (Девочка
с куклой), 1937 г. Холст, масло. 74 × 60 см.
Эстонский художественный музей
(Таллинн)
Это портрет 9-летней будущей советской и
российской актрисы Татьяны Пилецкой. С
её родителями художник познакомился в
1926 г. и был крёстным девочки.

11.

Немало в творчестве художника и пейзажей, которые он создавал на протяжении всей
своей жизни, запечатлевая и переосмысливая те места, в которых он побывал.
К. Петров-Водкин
«Негритянская деревня»
(1907)
К. Петров-Водкин
«Париж. Нотр-Дам»
(1924)
К. Петров-Водкин «Полдень.
Лето» (1917)

12.

К. Петров-Водкин ««Новоселье» («Рабочий
Петроград»), 1937 г. Государственная
Третьяковская галерея (Москва)
Это последняя крупная работа художника.
«Общую тему «Новоселья» можно сформулировать так: ленинградский пролетариат в
момент перехода к мирному строительству. Раскрытию этой темы служат и фигура
комиссара в полувоенном костюме, разговаривающего со стариком крестьянином,
отцом хозяина квартиры, и фигуры бойцов, вернувшихся с фронта, но ещё не успевших
залечить свои раны, и женщины, и дети – граждане нового общества» (К. ПетровВодкин).
Сюжет картины – празднество в рабочей семье по случаю вселения в барский особняк.
Изображено около двух десятков персонажей, собранных в несколько групп. Можно
видеть в картине и сатиру на новый быт, когда «уплотняли бывших буржуев».

13.

Значение творчества художника
К. Петров-Водкин – один из наиболее значительных мастеров первой трети ХХ в. В
ранний период творчества он испытал сильное влияние символизма и модерна, но
постепенно (к 1910-м годам) выработал собственный стиль. Некоторые
исследователи относят его творчество к неоакадемизму (влияние итальянской
живописи раннего Возрождения, русской иконописи и французского
постимпрессионизма).
Он воплотил в своём творчестве теорию «сферической перспективы», в которой
благодаря использованию нескольких точек зрения удавалось охватить обширное
пространство, подчеркнуть момент движения и совместить в одной композиции
разновременные эпизоды.
Художник создал собственную школу, из которой вышло много художников, среди
которых А. Самохвалов, Л. Фролова-Багреева, Н. Купреянов, А. Прошкин, В. Прошкин
и др.

14.

Один из лидеров мирового авангарда 20 века, Шагал сумел органически
соединить древние традиции иудейской культуры с остросовременным
новаторством. Родился в Витебске 24 июня (6 июля) 1887. Получил
традиционное религиозное образование на дому (древнееврейский язык,
чтение Торы и Талмуда). В 1906 году приехал в Петербург, где в 1906–1909
посещал рисовальную школу при обществе поощрения художеств, студию
С.М.Зайденберга и школу Е.Н.Званцевой. Жил в Петербурге-Петрограде,
Витебске и Москве, а в 1910–1914 – в Париже. Все творчество Шагала
изначально автобиографично и лирически исповедально. Уже в ранних его
картинах доминируют темы детства, семьи, смерти, глубоко личностные и в
то же время «вечные» («Суббота», 1910, Музей Валльраф-Рихарц, Кёльн). Со
временем на первый план выходит тема страстной любви художника к
своей первой жене — Белле Розенфельд («Над городом», 1914–1918,
Третьяковская галерея, Москва). Характерны мотивы «местечкового»
пейзажа и быта вкупе с символикой иудаизма («Ворота еврейского
кладбища», 1917, частное собрание, Париж).

15.

Однако, вглядываясь в архаику, в том числе и в русскую икону и лубок
(которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму
и предугадывает будущие авангардные течения. Гротескно-алогичные
сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты
его полотен («Я и деревня», 1911, Музей современного искусства, НьюЙорк; «Автопортрет с семью пальцами», 1911–1912, Городской музей,
Амстердам) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма.

16.

Суббота
Ворота еврейского
кладбища
Я и деревня

17.

После Октябрьской революции в 1918–1919 годах Шагал служил комиссаром ВКП (большевиков)
губернского отдела народного образования в Витебске, оформлял город к революционным праздникам. В
Москве Шагал написал ряд больших настенных панно для Еврейского Камерного театра, тем самым сделав
первый значительный шаг к монументальному искусству.
Освоив различные гравюрные техники, по заказу Амбруаза Воллара Шагал создал в 1923–1930 годах
островыразительные иллюстрации к «Мертвым душам» Николая Васильевича Гоголя и «Басням» Ж.де
Лафонтена. К середине 20 века его авторитет художника – живописца, графика, мастера театрального
искусства, а также декоративной керамики (которой он занимался с 1950) – получил мировое признание. По
мере достижения пика славы его манера – в целом сюрреально — экспрессионистская – становится все
легче и раскованней. Не только главные герои, но и все элементы образа парят, слагаясь в созвездия
цветных видений.
С 1955 началась работа над «Библией Шагала» – так именуют огромный цикл живописных полотен,
раскрывающих мир прародителей еврейского народа в удивительно эмоциональной и яркой, наивномудрой форме. В русле этого цикла мастер создал и большое число монументальных эскизов,
композиции по которым украсили сакральные здания разных религий – как иудаизма, так и христианства
в его католической и протестантской разновидностях: керамические панно и витражи капеллы в Асси
(Савой) и собора в Меце, 1957–1958; витражи: синагоги медицинского факультета Еврейского
университета близ Иерусалима, 1961; собора (церкви Фраумюнстер) в Цюрихе, 1969–1970; собора в
Реймсе, 1974; церкви Санкт-Штефан в Майнце, 1976–1981; и др.). Эти произведения Марка Шагала
радикально обновили язык современного монументального искусства, обогатив его мощным красочным
лиризмом.

18.

РАЗНООБРАЗИЕ И
ИНКЛЮЗИВНОСТЬ – ЭТО
БОЛЬШЕ, ЧЕМ МОДНЫЕ
СЛОВА.
Искреннее следование принципам
разнообразия и инклюзивности даст
вашему бизнесу возможность развиваться.

19.

Родился в Москве 27 декабря 1882 по ст. стилю, т. е. 8 января 1883 —
по новому. Родители Филонова, как он сам пишет, — «мещане г.
Рязани»; мать была прачкой, отец — кучером, а позже — извозчиком.
Рано начал рисовать. До одиннадцати лет он был танцором в
московских театрах. Вышивал, как и его сёстры, полотенца, скатерти.
Окончил в Москве начальную школу. После переезда в Петербург в
1897 году Филонов поступил в живописно-малярные мастерские и по
окончании работал «по малярно-живописному делу».
Параллельно, с 1898 года он посещал вечерние рисовальные классы
Общества поощрения художеств, а с 1903 — учился в частной
мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1849—1916). В
1905 — 07 г.г. Филонов путешествовал по Волге, Кавказу, посетил
Иерусалим. Завершив занятия в частной мастерской, Филонов
пытался трижды поступить в Петербургскую Академию художеств; в
1908 г. был принят вольнослушателем в школу при Академии
художеств, из которой он «добровольно вышел» в 1910 г.

20.

Павел Филонов уделял очень много времени и
усилий для х удожественных изобретений и
творческих идей. Он работал по 18 часов в сутки. В
1925г., найдя много последователей и
поддерживающих его стиль выражения, он
основал школу в Петрограде. Эта школа была
закрыта правительством в 1928г. вместе со всеми
частными художественными и культурными
организациями.
Картины Филонова были результатом не просто смысловых изображений. Его
живопись — это утверждение интеллектуальных принципов, некоторые их которых
взяты с теории и идеологии художника. В живописи Филонова виден «проектный

21.

Те кому нечего терять
Колхозник
Формула весны

22.

СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ